“El Hombre de Acero” es una nueva adaptación al cine que revela la vida del súper héroe más viejo de los cómics; todo desde la psicología de los miedos internos y la reinvención del insigne.

Antes de comenzar, diré que he escuchado más comentarios negativos que positivos de esta película del director, Zack Snyder (Watchmen) y que produce Christopher Nolan (El Caballero de la Noche), los fans esperaban más del filme y otros tantos no comprendieron del todo la trama por algunos huecos en el guión.

No es una mala película, es una adaptación que arriesgó demasiado en muchas áreas y que finalmente saca de una zona de confort a los más exigentes cinéfilos y amantes del cómic de ver la historia como se conoció desde su inicio.

Como todos los filmes hay puntos celebres y otros grises, pero yo no satanizo la cinta, es divertida, dinámica, y brinda otros matices de los personajes, todos tienen una nueva línea psicológica y eso me parece una muy buena pauta en la nueva manera de presentar a los personajes de historietas en el cine.

Warner Bros, 2013

Comencemos con los puntos negativos: Si usted tiene la curiosidad de ver la película en 3D, le recomiendo que no lo haga, no lo necesita, el formato es forzado y es mejor  el digital tradicional, ése dinero mejor ahórrelo para las palomitas.

“El hombre de acero” navega mucho en la infancia y adolescencia de Clark Kent, lo que podría aburrir un poco a quienes conocen la historia, para quienes no tienen la noción será algo nuevo y no pasará como tedioso. Sí hay hoyos en el guión; no se hilan bien algunas historias o anécdotas de la vida del héroe.

La parte favorable: La adaptación en la que también participa Nolan, da un peso más importante a la psicología y los medios internos de Superman. Siempre he dicho que me resultan más interesantes las historias de DC Cómics que las de Marvel, las primeras tratan sobre los mitos y pasados oscuros de los héroes, que también tienen sus propios temores, las segundas son más ligeras y bonachonas, digamos que su público es para toda la familia.

Lo que quiero decir con esto, es que me pareció un acierto el hecho de que haya más “flashbacks” en la trama, sobre los combates, sí, coincido no hay tantas peleas cuerpo a cuerpo, pero las dinámicas que se dan en los aires son muy interesantes, los logros tecnológicos están ahí y lucen muy bien.

Cuando me refiero a los matices de los personajes, es que ahora tienen cada uno, un nuevo valor en la historia y eso la hace más atractiva, es verdad, Henry Cavill, es más la imagen y la pose del héroe que el agregado que como actor le da a Superman, pero está bien cobijado por el elenco de grandes estrellas que lo hacen brillar, “Louisa Lane” ahora es una reportera más aguerrida y más astuta, no se sienta a esperar a que su héroe la salve.

Russell Crowe y Kevin Costner, padres del protagonista, son parte fundamental, uno le enseña el valor de la grandeza de la humanidad, el otro el valor de la grandeza del hombre, ambos muy en su papel son un buen soporte, aunque sí, la cinta no nos permite extrañar a Crowe, tiene mucha participación que a veces está de más.

Michael Shannon como el General Zod, es un villano que al igual que Superman, muestra sus debilidades y fortalezas, que bueno o malo, lucha por un ideal, el actor en ocasiones brilla más que el propio héroe y eso le da un sentido de pertenencia con la historia y su desarrollo.

Los trajes de héroes y villanos están muy en vanguardia, accesorios futuristas que nos recuerdan a Watchmen, Prometo y Star Wars.

Para quienes extrañaron a Lex Luthor, la película se enfoca con ciertos elementos en su desarrollo y contexto que sí habrá una segunda parte. La mejor critica sobre una película es la que usted mismo tiene, vaya a la sala, véala y me cuenta si le gustó.

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Frase para tuitear:
“A veces hay que hacer un acto de fe, la confianza llega después.”

¡No te las pierdas!:
“300”- Zack Snyder (2006)
“El origen”-  Christopher Nolan (2009)
“Immortals”- Henry Cavill (2011)

“El Gran Gatsby” nos presenta la tragedia de un amor fallido entre un magnate y una mujer casada que se desenvuelve entre la opulencia y la hipocresía de los años veinte.

Sí, es una joya cinematográfica, no exagero, pone en un nivel más alto a la manera de hacer y producir cine, sobre todo con las adaptaciones, por lo regular las segundas o terceras versiones no corren con la suerte de ser exitosas, pero hay cintas como ésta, dirigida por Baz Luhrmann que está impecablemente bien hecha y que de lo único que peca es de frívola.

Los años veinte fueron una década marcada por la modernidad; los grandes edificios sobresalían, la industrialización era ya la vanguardia y con ella, había nuevas áreas de mercado que marcaban pauta en el desarrollo de Estados Unidos, por ejemplo, los automóviles, un sector económico que se volvía fuerte, géneros musicales como el jazz y el desenfreno –medido de alguna manera- eran la constante. En “El Gran Gatsby”, novela de F. Soctt Fitzgerald publicada en 1925 se destacaba la opulencia, la afición por la moda, las fiestas y la socialización, todo el placer al que caería cualquier simple mortal.

Warner Bros. 2013

Es así que el cineasta, Luhrmann, apegado fielmente a la prosa del escritor, nos brinda una estética y bella película plagada de glamour, de pulcritud, de grandes efectos visuales, de una banda sonora impecable, (por cierto, ya la descargué) y reúne a un gran elenco que desde la primera toma nos roban por completo la atención. Está tan bien hecha que uno como espectador queda fascinado.

La historia se desenvuelve en 1922 y es contada desde la perspectiva de  “Nick Carraway” (Tobey Maguire), un trabajador de Wall Street y aspirante a escritor que es vecino de “Jay Gatsby” (Leonardo DiCaprio), es primo también de “Daisy Buchanan” (Carey Mulligan) y viene a ser una especie de celestino entre esta pareja que se conoció tiempo atrás y que por azares del destino su relación no prosperó hasta después de cinco años y gracias a la colaboración de “Nick” su amor pudo retomarse aunque de una manera poco afortunada, se convirtieron en amantes.

“Gatsby” sabía que la única manera de hacerse del amor de “Daisy” era escalando posiciones sociales hasta volverse todo un magnate, gestor de las mejores fiestas y claro, su acenso no fue por los caminos de la legalidad. “Daisy” no está del todo convencida de dejar la posición que ya tiene con su marido “Tom” (Joel Edgerton), que aunque mujeriego, -en la trama es amante de una mujer casada, “Myrtle” (Isla Fisher)- tiene la estabilidad que su voluble carácter necesita. El desenlace para esta pareja no es nada alentador, sobre todo para el elegante y excéntrico “Jay Gatsby”.

Una de las áreas más interesantes de esta película es como el director primero nos envuelve en la atmósfera del florecimiento de la década, de la vivacidad de sus personajes, de la vitalidad de los escenarios y después con el desarrollo de la trama y del involucramiento con cada uno de los personajes, nos vamos decayendo hasta lo más triste y hostil, como esa típica frase que dice más o menos así: “a los amigos los conoces en los momentos difíciles y no en los felices”, todos sufrimos con la caída de “Gatsby” que no hizo otra cosa más que mantener la esperanza por un amor que no se atrevió a dar todo lo que él estaba dispuesto a ofrecer.

Ya antes mencioné que de lo único que peca la película es de frivolidad, pero ese toque es tan chic y encantador que hasta los más expertos en moda caerán derretidos con cada uno de los atuendos que portan los protagonistas de esta historia, sobretodo Carey Mulligan quien fue vestida por la marca Prada utilizando más de 40 outfits, esta magia en pantalla se la debemos a Catherine Martin, quien trabajó en “Moulin Rouge” y ha sido dos veces ganadora del Premio de la Academia. En el vestuario de los galanes, colaboró con Bock Brothers  quien le permitió acceder a sus archivos históricos.

La filmación que se rodó con tecnología 3D nos permite un acercamiento más íntimo tanto con los personajes como con sus expresiones, la fidelidad de la imagen y los escenarios son impecables, se nota que el buen gusto es el sello distintivo de la historia. Y también el soundtrack que aunque la música es de lo más innovadora persigue un aire retro que le da ese toque especial a la cinta, sería un grave error si no escuchan los covers de “Crazy in love” y “Back to black” con sintetizadores, orquesta y sonidos de charleston y jazz.

En cuanto a los actores, Leonardo DiCaprio es amo y señor de la actuación, las mil y un formas de encarnar a seres trágicos y dramáticos con la característica de enamorar al público. La mirada de Carey Mulligan tiene una esencia de nostalgia que no se puede dejar de admirar, sus personajes siempre han estado delineados bajo esta perspectiva de estar entre lo inquebrantable y lo vulnerable, más de alguno la odiaremos en esta cinta, si la ven ya sabrán por qué. Y don  Tobey Maguire que como narrador de la historia, nos transforma al público en él mismo para ser testigos de esa década seducida por la opulencia y la bohemia.

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Frase para tuitear:
“Todas las cosas brillantes y hermosas se desvanecen rápidamente”. Carey Mulligan, actriz.

¡No te las pierdas!:
“Moulin Rouge”- Baz Luhrmann (2001)
“Romeo y Julieta”-  Baz Luhrmann (1996)
“Titanic”- Leonardo DiCaprio (1997)

“Tlatelolco, verano del 68” es una cinta de ficción con un contexto histórico, donde el movimiento gestado por estudiantes en la Ciudad de México sirve de apoyo para la historia de amor entre un pobre y una rica.

Ya lo dije en “El mariachi gringo” y lo subrayo de nuevo con este filme de Carlos Bolado, como todo, este proyecto tiene sus partes buenas y sus lados malos. Diré que es un filme que no pasa nada si como apasionados cinéfilos nos lo perdemos, ya que, el punto central de la historia es el amor de un pobre y una rica que no logran cristalizar sus sueños, muy  al estilo Romeo y Julieta, este romance se gesta entre las protestas estudiantiles de 1968, que tiene como consecuencia el genocidio ocurrido el 2 de octubre en la Plaza de las Tres Culturas en la Ciudad de México.

¿Y por qué digo que no pasa nada si no lo vemos? Porque la cinta no presenta nada nuevo sobre este fatídico hecho histórico, que más bien funciona para complementar un romance que nunca cuajó, que estuvo tibio, tal vez por la frialdad con la que fueron interpretados los personajes, sí tomamos como referencia esto, un documental puede ser la mejor opción para volvernos a molestar e indignar por este hecho que se dio en un México lleno de “moralidad” y falsos prejuicios, pero también, de manera asertiva, “Tlatelolco, verano del 68” funciona para acercar a esas personas que no tienen una visión amplia del valor histórico de este movimiento y con la ficción que se adereza con una historia de amor, puede atraer a este público  a interesarse en el tema.

Corazón Films, 2013

En 1968, se conocen Félix y Ana María (Christian Vázquez y  Cassandra Ciangherotti), él, estudiante de arquitectura y ella de fotografía. Félix es pobre y estudia en la UNAM, vive con su hermano (Armando Hernández) que es policía y que pertenecerá al Batallón Olimpia. Ana María es de una clase alta, es estudiante de la Ibero, su padre (Juan Manuel Bernal) es un colaborador del presidente Gustavo Díaz Ordaz (Roberto Sosa) y tanto él como su madre (Claudette Maillé) se oponen a su relación con Félix, los jóvenes vivirán intensos momentos entre marchas y protestas de estudiantes que buscan acabar con la represión.

De primera instancia parece que este filme son dos visiones distintas que luchan por decir, “aquí mis chicharrones truenan”, pero que finalmente se ofrece un producto que cumple y que funciona en el hilo conductor de un trágico amorío.
Carlos Bolado nos ofrece un concepto de imagen muy atractivo, secuencias reales con ficciones que nos da una atmósfera de vivacidad, la edición es muy buena y la caracterización, maquillaje y peinado, para recrear esta época lo son también.  Aunque renglón aparte está el trabajo de caracterización de Roberto Sosa como el entonces presidente Gustavo Díaz Ordaz, pues mientras su interpretación es magistral, la caracterización se ve mal hecha (en las tomas se nota el látex y el excesivo maquillaje).

Los personajes juveniles no logran conectar del todo, hablan como se habla en la actualidad, el tono “fresa” siempre está, tanto en pobres como en ricos, no sé si les dieron un contexto de cómo eran los jóvenes de ese entonces y de cómo se expresaban, pero en la cinta, no se nota ningún cambio, hasta podría verse la gestación de los mirreyes, en el papel que realiza  Luis Ernesto Franco (Alducín) quien da vida a un amigo y enamorado de la protagonista.

Durante la trama, se fechan los momentos claves del movimiento estudiantil, que sirven como gancho para que los espectadores estemos pendientes del momento trascendental, que en mí percepción duró muy poco y fue muy rápido, digo, no esperaba ver una masacre con ríos de sangre, pero era el momento en el que la atención pudo haber calibrado lo que hemos visto tanto en telenovelas como en otras películas, la lucha por construir una relación sentimental entre el clasismo y el prejuicio.

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Frase para tuitear:
“Nosotros somos lo que necesitamos ser y no lo que queremos ser”. Juan Manuel Bernal, actor.

¡No te las pierdas!:
“Colosio: El asesinato”- Carlos Bolado (2012)
“Cinco de mayo: La batalla”-  Christian Vázquez  (2013)
“Como agua para chocolate”- Claudette Maillé (1992)

“El mariachi gringo” muestra el folclor de Jalisco, pero no su realidad, la idea de la música vernácula  y el tequila en cada casa tapatía sobrepasa al propio cliché.

Comenzaré explicando que no del todo es una película mala, como todo, tiene sus lados buenos y sus partes oscuras, destaquemos primero, que debe ser y es una película para impulsar la promoción turística de nuestro Estado. Hay escenas que resaltan la cultura popular tapatía, su gastronomía, sus sitios arquitectónicos que guardan grandes historias, su gente, la de todos los días que transita por esta urbe, aspectos reales. Ya sobre la trama, todo gira en clichés.

En Guadalajara hay puestos de tacos en cada esquina, pero, ¿de tortas ahogadas y de noche?… No creo, aquí en “El mariachi gringo”, usted seguro las encuentra, después, es extraño pensar que de Estados Unidos para llegar a la tierra del mariachi, se pase por el municipio de Tequilla y se llegue a la Central Vieja y donde el protagonista, Edward (Shawn Ashmore), se enfrenta a la pintoresca Guadalajara donde  en la cajuela de un taxi hay varios marranitos. No dudo que en la Perla Tapatía cada vez haya más gente que hable el idioma inglés, pero aquí  en la película, todos lo hablan y lo entienden perfectamente.

Edward es un joven de Los Ángeles, cumple 30 años y atraviesa por una crisis existencial, así que un día conoce a un mexicano que le presenta la cultura de Jalisco, y nuestro querido gringo se enamora de esta ciudad, hay quienes quieren ser empresarios, cocineros, estrellas de rock, pero Edward desea ser un mariachi, tocar con la pasión con la que lo hacen los músicos tapatíos, así que emprende el vuelo y conoce a Lilia (Martha Higareda), una chica que le ayudará a realizar su sueño anhelado, juntos conocerán las dificultades que se presentan para lograr los objetivos propios.

Sin Sentido Films

Esta cinta del director, Tom Gustafson, es de esos filmes que pueden ser bien recibidos en el extranjero porque manejan muy bien el cliché mexicano, luego pasa que el gringo o el alemán llegan a la ciudad con la curiosidad de vernos a todos con tequila y sombrero de charro en la mano. Obviamente somos la cuna de este patrimonio, pero no es una realidad que diario en nuestras casas escuchemos la música vernácula y bebamos el elixir jalisciense a diestra y siniestra (No sería mala idea).

Hay otros momentos en la película que rompen con el interés del espectador y después todo se centra en los números musicales de Lila Downs, que párrafos abajo hablaremos de ella. Primero, la historia de amor que se asoma entre Edward y Lilia nunca cuaja, es más, ni debió cuajar, ya que se maneja un matiz bisexual entre los protagonistas, y para los espectadores más conservadores les causa un conflicto, porque la primera hora sólo era ver lo bonito que es Jalisco.

Después y por esta misma línea, parece que el director trata de decirle a la audiencia que Guadalajara es muy bonita, pero también tiene su parte mística, como los antros gay, que sí, la ciudad se caracteriza por estos espacios de sano esparcimiento, pero nunca esas escenas están fundamentadas de por qué, o para qué.

En cuanto al elenco, creo que todos están muy bien en sus respectivos personajes, Shawn Ashmore le da a Edward un toque cándido y hasta inocente, eso genera en el público un vínculo de simpatía, nunca el personaje es retratado como en las películas de la Época de Oro del Cine Mexicano, que rayan en la burla, aquí le dan su propio espacio, con esencia y eso siempre se agradece.

Si usted tenía la duda de que Martha Higareda mostraba sus atributos, le digo que no, han satanizado mucho ese lado de la actriz, aquí en “El mariachi gringo”, Martha es natural, como en sus otros trabajos, sí hubiera sido mejor que su Lilia estuviera mejor delineada, porque hacerla tan compleja no sirvió para mucho, en momentos perdíamos interés por ver lo que le sucedía a la joven.

Lila Downs, es una delicia cantando, seguro estoy que saliendo de la película le van a dar ganas de comprar un disco o querer hacer una borrachera con música de esta mujer que interpreta como nadie la música ranchera, hoy es la mejor representante que tenemos de este género, que con su peculiar manera de vestir le da todo ese feeling de folclor a la cinta.

Como dije, el filme es divertido, pero está lejos de retratar la atmosfera tapatía en pleno siglo XXI.

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¡No te las pierdas!:
“Amarte te duele”- Martha Higareda. (2002)
“X-Men 2”-  Shawn Ashmore (2003)
“Frida”- Lila Downs (2002)

“Iron Man 3” es la comprobación de que Tony Stark es muy independiente de “Los vengadores” aunque colabore con ellos para salvar el mundo.

Voy a hablar desde el punto de vista de un cinéfilo que disfruta de todas las películas y que no se engancha con sagas y continuaciones. “Iron Man 3” es una muy buena película, llena de acción, de buenos efectos, una banda sonora muy ad hoc y bastante buen humor.

Sé que por ahí, los fans están desilusionados de la nula conexión que hubo con lo que se espera que va a suceder con “Los vengadores 2”, recordemos que en las anteriores cintas del héroe de hierro, había escenas finales que nos daban indicios de lo que venía. Hoy con “Iron Man 3” todos esperaron hasta que acabaran los créditos de la cinta para ver una charla entre Tony Stark y el Dr. Banner (Hulk) que simplemente no decía nada, ni daba pistas.

Paramount, 2013

Con esto, tengo la certeza que se busca darle su propio peso al personaje, si bien es cierto que “Iron Man 3” pudo haber sido la  1 o la 2, y no pasaba nada, también es una realidad que desde la perspectiva de la vanidad y arrogancia de Tony Stark, así debió de ser y así está bien, también podría ser una estrategia de mercadotecnia de mantener al público expectante de lo que sucederá con las otras entregas independientes de cada uno de los vengadores.

Ya hablando concretamente de “Iron Man 3”, dirigida por Shane Black, me pareció que cumple con el propósito, aunque creo que debió existir una trama más fuerte, estamos hablando de una tercer entrega y parece que fue el capítulo de dos horas de una serie de televisión, aunque no demerito en nada el gran trabajo audiovisual, ya lo alabé párrafos arriba, hablo más sobre el hecho de que una tercera entrega debe ser más poderosa.

Aldrich Killian (Guy Pearce), es ahora una amenaza en el mundo de Tony Stark (Robert Downey Jr.) es el creador de un extraño virus llamado Extremis, y ha reclutado a elementos de la milicia que han sufrido amputaciones o han quedado perturbados a causa de la guerra, ellos son el vehículo para sus malévolos planes, aunque de principio, no será este villano el que dé la cara, sino El Mandarín, un peculiar enemigo que no resulta ser una amenaza. En esta aventura, Peper Potts (Gwyneth Paltrow) y James Rhodes (Don Cheadle) ayudarán al vanidoso “Iron Man” para derrotar a este villano que amenaza la tranquilidad de Estados Unidos.

Sobre Robert Downey Jr. no tengo mucho que decir, es muy divertido en escena, vamos, no creo que se esfuerce mucho en actuar, tanto así que puedes verlo como “Iron Man” y “Sherlock Holmes” y prácticamente es el mismo en el set. La que tuvo una mejor participación es Gwyneth Paltrow en escenas de acción, donde probó el traje del súper héroe y ayudó a derrotar al enemigo con una muy peculiar escena, sigo pensando que la actriz es muy fría en todos sus personajes, pero como novia de Tony Stark, pudo hacer cosas más interesantes que en las dos primeras entregas.

Guy Pearce es de esos villanos pulcros en su vestimenta y sucios para el combate, es un contraste muy adecuado que Shane le dio al personaje, los anteriores villanos eran más grandes que Stark, y este que es contemporáneo mostró más dinamismo y humor negro que Mickey Rourke y Jeff Bridges.

Dos horas de diversión y buen humor si van a pasar, una escena “muy jalada de los pelos”, es la que tiene que ver con un atentado en el avión presidencial, “Iron Man” cometerá un acto heroico nada creíble , véalo, y me da su punto de vista.

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Frase para tuitear:

“El fracaso es la niebla para llegar al triunfo”, Guy Pearce, actor.

¡No te las pierdas!:
“El solista”- Robert Downey Jr. (2009)
“Contagio”-Gwyneth Paltrow (2011)
“Sin ley”- Guy Pearce (2012)

La comedia “Bienvenido a los 40” (This is 40), nos muestra la vida de un matrimonio que experimenta nuevas etapas, toda vez que abandonan la década de los 30.

La cinta de Judd Apatow tiene varias características que contrastan con parte del argumento de la trama, pero tiene otros aspectos, como el gran elenco secundario que la acompaña y que equilibra de alguna manera el sentido de la historia. Yo me divertí con esta cinta, habrá a quienes no les pareció tan divertida, pero desde la perspectiva de que la pareja, Pete y Debbie (Paul Rudd y Leslie Mann) afrontan la llegada de los 40, la historia se condimenta de vivencias reales que seguro a más de alguno de los que experimentan esos cambios les caerá como anillo al dedo.

Por otra parte, hay cosas tan irreales y que están planteadas en el guión que nadie podría creer, Pete y Debbie, el matrimonio en cuestión, además de afrontar una nueva década de vida, pasan por una pésima situación financiera, él es dueño de una discográfica que revive a viejas leyendas de la música, ella, tiene una tienda de ropa donde hay un desvío de 12 mil dólares, y sin embargo tienen los últimos gadgets de moda, visten muy bien, la casa espectacular se sigue manteniendo y por si fuera poco hasta organizan un fiesta para celebrar los 40 años de Pete, cabe mencionar que en esa fiesta se desarrollan los momentos más importantes del filme.

Universal, 2012

La cinta tiene una característica muy enriquecedora, si bien Paul Rudd y Leslie Mann no son las grandes estrellas de Hollywodd, Apatow consigue a figuras tan mediáticas con roles secundarios que brindan un gran atractivo, es el caso de Megan Fox, Jason Segel y Melissa McCarthy, que le dan un plus enorme a la historia. También está la participación musical de Graham Parker.

Un punto débil que le encuentro a la cinta es la participación de las pequeñas Maude Apatow e Iris Apatow, hijas del director, me parece que ambas niñas están muy sobreactuadas y en momentos llegan a ser muy odiosas, sobre todo el personaje de “Sadie”, ¡muy gritona! El director ya había comentado que la cinta tiene muchos toques biográficos, participan todas sus mujeres, las niñas antes mencionadas y la protagonista, Leslie Mann, su mujer.

Un recurso que vale la pena es que en los diálogos se maneja mucho la cultura pop, hacen énfasis en estrellas de rock, series de televisión y personajes de la farándula.

Sobre la pareja protagónica habría que decir, que Paul Rudd es el más atinado y que comulga muy bien con el espectador, sería como una sensación de camaradería con su personaje, en cuanto a Leslie a pesar de su voz “chillona” la actriz muestra que no sólo es capaz de ser un rol secundario en la mayoría de sus películas, también sabe sostener un protagónico.

No se trata de buscarle tres pies al gato, la película es una comedia para divertirse, con ángulos de realidad y con mucha comicidad, me quedé con una pregunta enorme, ¿Usted es de eso matrimonios que puede mantener una charla a puerta abierta mientras se está en el baño?

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Frase para tuitear:
“Es duro perdonar a alguien cuando aún no te pide perdón”, Albert Brooks, actor.

¡No te las pierdas!:
“Ligeramente embarazada”- Judd Apatow (2007)
“Virgen a los 40”-Leslie Mann (2005)
“Las ventajas de ser invisible”- Paul Rudd (2012)

“Oblivion: El tiempo del olvido” es una cinta atractiva en aspectos visuales, sonoros y tecnológicos, pero carece de genialidad en su guión, la historia es completamente aburrida.

Si tenemos a Tom Cruise y Morgan Freeman como estelares y de la mano del director, Joseph Kosinski (Tron: El legado) la formula de un gran éxito está casi asegurada, salvo que la trama carece de dinamismo, se parece a todas las cintas de ciencia ficción que tienen como planteamiento la destrucción de la Tierra y que los involucrados buscan nuevas alternativas para poder sobrevivir.

La película es confusa y da por sentado hechos que el espectador de alguna manera “entendió”, es verdad que a veces el director nos da la pauta para imaginarnos los posibles desenlaces y tener nuestra propia noción de lo que hubiera sucedido, pero en “Oblivion” las obviedades no tienen espacio y deja al aire muchas situaciones que pudieron haber enganchado al público en los momentos donde ocurre la acción y sin embargo no se hizo.

Aunque no todo es negativo, se nota desde el primer momento el nivel tecnológico con el que cuenta la cinta, los imponentes escenarios futuristas con una escala de grises que dan la sensación de un lugar frío y hostil, la sonoridad es otro elemento rescatable, excelente musicalización que ensambló muy bien con los recursos de primera línea con los que cuenta el filme.

Universal Pictures, 2013

Las dos horas que dura, parecen una eternidad, salvo por los majestuosos escenarios de los que goza la película que se desarrolla en el 2077 cuando el teniente Jack Harper (Tom Cruise) se encuentra en la devastada Tierra que fue objeto de una guerra y que quienes vivían en ella han sido evacuados a una plataforma lunar, Jack se dedica a dar mantenimiento a los drones que supervisan al planeta y que están pendientes de la amenaza que representan los carroñeros, una legión que hace de las suyas en estas áreas que pese a no tener vida, tienen aún, un valor para ellos.

Con Harper está su mano derecha, Victoria (Andrea Riseborough), una sofisticada pelirroja que se mantiene atenta a los sucesos que puedan afectar la misión del teniente, quien también es su pareja, la estabilidad se rompe cuando aparece Julia (Olga Kurylenko), una mujer que traerá a la mente de Jack varios recuerdos que el consideraba sueños y que serán la clave para que el protagonista se de cuenta de los secretos que se guardan en un acontecimiento que apenas está por comenzar y donde intervienen los aliados, Beech y Sykes (Morgan Freeman y Nikolaj Coster-Waldau, respectivamente).

Créame, a pesar de ser una cinta futurista, son pocas las escenas donde se explota el recurso de la acción, también se percibe que el señor Tom Cruise se está volviendo viejo para este tipo de filmes, y Kosinski pareció no protegerlo en la interacción con Nikolaj Coster-Waldau, por mucho este actor de origen danés eclipsa al astro hollywoodense, y eso que son muy pocas sus apariciones.

Vemos a Morgan Freeman como actor de soporte, sin mucho por sobresalir, cumple con el personaje y nada más, en el trailer se ve más aguerrida y ruda Olga Kurylenko, en la cinta su papel es un mártir  sin fuerza y muy ajeno a la acción, pese a que Andrea Riseborough lleva una línea más intelectual y pulcra dentro de la historia, es ella quien más sobresale con los recursos de dramatismo que le otorga al filme de ciencia ficción.

Muy pobre el trabajo de Melissa Leo, ganadora del Oscar en 2011 por la cinta “El peleador”, Melissa encarna a Sally, el cerebro y la autoridad en este terreno que dejó a la luna destruida, nunca supimos de dónde salió el personaje  y si representaba una amenaza o el control en el entorno en el que se desarrolla “Oblivion”.

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Frase para tuitear:

“¿Es posible añorar un lugar donde nunca se ha estado?”, Tom Cruise, actor.

¡No te las pierdas!:

“Top Gun”-Tom Cruise (1986)
“W.E.”-Andrea Riseborough (2011)
“Quantum 007”-Olga Kurylenko (2008)

“Notas perfectas” es una extensión de la explosión de musicales al estilo “Glee!”, personajes encantadores y voces endulzantes, pero que mantienen su propia línea y esencia.

A las comedias musicales juveniles no siempre les va bien, algo pasa que no logran conectar del todo con su público y la audiencia en general, filmes como “Ferris Bueller’s Day Off”,”Footloose” y “The Breakfast Club”, incluso “Glee!” han dejado una huella en la industria como memorables filmes llenos de vitalidad y dinamismo, y parece ser que “Notas perfectas” de Jason Moore no es la excepción.

Es verdad que con la efervescencia de los musicales no todas las propuestas tienen su encanto, pero ésta película donde el tema central es un concurso de a capella, se dirige bajo su propio ritmo, obviamente toma conceptos de este género y películas que lo desarrollan antes mencionadas, pero cobra su propio valor donde en plenitud, es el elenco el que sobresale.

Los personajes base son femeninos y como en todo grupo existe diversidad de personalidades: la bonita, la perfecta, la rebelde, la astuta, la simpática  la lesbiana y la tierna. El director tiene un elenco joven con estrellas poco conocidas o que apenas están despuntando, las cartas fuertes son Anna Kendrick y Rebel Wilson, aunque ésta última por mucho se lleva la película.

Universal, 2013

La historia trata sobre una joven llamada Beca (Anna Kendrick) que tiene el sueño de ser DJ, la joven ingresa a la universidad sintiéndose ajena a algún grupo, el destino la llevará a formar parte de las Bellas de Barden, un grupo de chicas con formas de ser y de pensar muy distintas pero que comparten el gusto por el canto. Beca no sólo tendrá que luchar por su sueño, además tendrá que lidiar con la cabeza del grupo, Aubrey (Anna Camp) quien no está dispuesta a hacer modificaciones en la forma de llevar al equipo con nuevas coreografías y canciones, pero hay espacio para la diversión y la sana competencia, en Fat Amy (Rebel Wilson), Beca encontrará una gran aliada. La protagonista también tendrá la oportunidad de encontrar el amor con un alumno de la misma universidad, Jesse (Skylar Astin).

Aunque la trama es simple, es bien aderezada por las voces de su elenco femenino y el encanto del ensamble masculino que juega un rol secundario, a su favor también está en que tanto el guión como los diálogos son muy dinámicos, la línea de la comedia se mantiene siempre presente y nunca decae, además la competencia dentro de la cinta le añade un toque de expectación.

Sobre las figuras principales, todas realizan muy bien su trabajo, Anna Kendrick, la protagonista, ha logrado despuntar con personajes cálidos y tiernos, aunque es verdad que le falta más entrega, sería bueno verla en un papel más serio que requiera mayor esfuerzo interpretativo.

El alma de la película es Rebel Wilson, con 26 años, la actriz es toda una maestra de la comedia y la simpleza, aunque ha realizado personajes “tontos” y “sosos”, el estilo que les pone la hacen sobresalir de manera muy singular, aquí en “Notas perfectas” es ella la que lleva en mayor medida el tono de la comedia.

Lo que habría que criticar es el romance entre Beca y Jesse, en momentos peleas amorosas innecesarias y en escena parecía que no existía una conexión entre ellos, se veían como dos amigos y no dos enamorados que se cortejan.

Si quiere divertirse, ver una película ligera, “Notas perfectas” es la opción, cuando termine la película, seguro estoy que le darán ganas de ir a cantar a un karaoke.

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Frase para tuitear:

“Si de entrada no tienes éxito, haz tus maletas”, Anna Camp, actriz.

¡No te las pierdas!:

“Up in the air”-Anna Kendrick (2009)
“The Help”-Anna Camp (2011)
“ Qué esperar cuando estás esperando ”-Rebel Wilson (2012)

“Terapia de riesgo  es un thriller donde se conjugan la sobremedicación y los lazos pasionales, dando como resultado verdaderos efectos secundarios.

La última película de Steven Soderbergh, con la que se despide de la dirección, es un encantador filme de suspenso donde todos los personajes son oscuros, codiciosos, fríos y calculadores. La trama conjuga el tema de los antidepresivos -una fuerte crítica a ese mercado en los Estados Unidos por su uso excesivo- y un latente lazo pasional lleno de ambiciones por parte de los protagonistas que promueve una desconcertante historia que involucra de principio a fin al espectador.

Emily y Martin (Rooney Mara y Chaning Tatum) son una pareja de casados que vive en Nueva York, él, recién salió de la cárcel, está dispuesto a retomar su vida profesional, ella, sufre una “severa” depresión que la llevará a conocer al doctor, Jonathan Banks (Jude Law) un psiquiatra que tratará el caso de Emily con un antidepresivo que se volverá famoso de la noche a la mañana y no precisamente por sus beneficios, Banks buscará la asesoría de la doctora, Víctora Siebert (Catherine Zeta-Jones), antigua especialista de Emily, en el proceso ocurre un delito que compromete a todos y donde nadie saldrá con las manos limpias.

Videocine, 2013

Si bien la historia se desarrolla bajo dos vías, la sobremedicación y la ambición, y en momentos parecería confundir a la audiencia, Soderbergh sabe desenvolver ambos temas para brindar una trama que implica el hecho de que nada es lo que parece. “Terapia de riesgo” deja como manifiesto la gestación de un plan codicioso que saca a relucir los bajos instintos de quienes participan en él y donde sólo el que mueva las piezas con astucia y sin involucrar sentimientos y pasiones, saldrá bien librado.

Como ya había comentado, lo interesante de esta cinta es que ningún personaje tiene aspectos de bondad, cada uno en algún momento resulta la víctima o el victimario y es eso lo que brinda una provocativa atención por parte del espectador para descifrar quién es el menos egoísta en la trama.

Jude Law quien ya ha trabajado con Steven se adentra en la piel de un médico de buen nivel obstinado con ser exitoso, no hay mucho que decir de su trabajo actoral, cumple muy bien con los requisitos para dar réplica a monstruos de la escena ya consagrados como Catherine Zeta-Jones, quien seduce en pantalla con un personaje sumamente perverso, ideal para ella que ha dejado los roles estelares para convertirse en una actriz de soporte que desenvuelve de manera letal cualquier proyecto que se le presente.

Aunque Chaning Tatum no lleva un peso fuerte en la historia  sí es una parte importante en el argumento del guión, pues a partir del destino de su personaje se impulsa la historia de la película, digamos que parte de su encanto es que ha tenido gran fama mediática al convertirse en uno de los nuevos galanes de Hollywood y eso siempre es un buen motivo para explotar en taquilla.

Rooney Mara es quien se adueña por completo de “Terapia de riesgo”, la actriz es un verdadero camaleón al momento de actuar, por un lado su semblante nostálgico y gris es sumamente depresivo y por otro su belleza y fuerza para transformarse son tan desgarradores que da muestra de una gran categoría histriónica, si bien ya tiene sus años trabajando en la industria fue hasta 2012 que despuntó su carrera con la cinta, “La chica del dragón tatuado”.

¡En gustos se rompen géneros!…Si tienes alguna sugerencia para hablar de alguna película o deseas compartir tu opinión escribe a enrique.esparza@informador.com.mx o sígueme en Twitter @Kikemth

Frase para tuitear:

“Más allá del deseo, detrás de la verdad ningún secreto está a salvo”, “Terapia de riesgo”.

¡No te las pierdas!:

“La chica del dragón tatuado”-Rooney Mara (2012)
“Querido John ”-Chaning Tatum (2010)
“Anna Karenina”-Jude Law (2012)
“Chicago”-Catherine Z-Jones (2002)